sabato 14 novembre

ore 15:00

Mondocane

presentato da Pietro Faiella

testo e regia Pietro Faiella

con Luca Di Prospero e Marco Feroci

scene e costumi Stefano Argentero

suono Pietro Faiella

Mondocane è un esperimento di scrittura, linguistico e drammaturgico. Partendo dalla necessità di esplorare il personale rapporto dell’autore con il suo dialetto d’origine, l’abruzzese dell’entroterra appenninico, lo stesso ha cercato di esplicitare quello che ha rappresentato negli anni della sua infanzia e dell’adolescenza quella “parlata”: la violenza. Una violenza urbana, moderna, metropolitana abitava il dialetto che ho vissuto, quello dal quale - afferma l’autore - sono fuggito, che è sempre stato una lingua feroce parlata per ferire, per mettere alla berlina, per minacciare, per aggredire. Questo processo di riappropriazione del tessuto linguistico - continua Faiella - ha prodotto un processo per molti versi assimilabile a un percorso analitico, dove riemersione del rimosso, rapporto di transfert, uccisione simbolica si sono strutturati e configurati come una storia con un plot ben preciso. Il risultato di questo lavoro è stato un testo molto personale che ho provato ad affrontare mettendomi a “distanza“. Ho coinvolto gli attori chiedendogli di cercare una strada per reinventare la mia personale visione di quel dialetto oramai sulla carta. Una versione fisica, corporea, sanguigna, che - conclude Faiella - riportasse in vita il monstrum.

Un ragazzo di provincia torna nel paese che anni prima ha lasciato e con uno dei pochi con cui è rimasto amico va a bere un bicchiere al bar. Sulla sua strada incontra Ersilio, muratore pregiudicato, suo antico compagno di scuola elementare. Nonostante il desiderio di sfuggire a quell’immagine di abbrutimento dell’esistenza che si trova di fronte, Pietro non riesce a sottrarsi allo scontro con Ersilio.

Nel secondo quadro Pietro viene spinto con forza dentro la stanza spoglia e sinistra che è il monolocale di Ersilio. Inciampa e si frattura il naso, perdendo sangue. Ersilio lo mette alle strette, vuole che Pietro ricordi e chieda perdono per quel gesto violento compiuto anni e anni fa contro l’allora compagno di scuola. Pietro ricorda il gesto, ma non il motivo.

Nel terzo quadro, lungo una strada abbandonata, sotto un lampione scassato, Pietro entra in scena coperto di sangue e in lacrime. Il suo gesto gli ha acceso il ricordo di un’infanzia segnata dallo sguardo sul mattatoio degli animali di famiglia. Mentre scioglie la litania dei suoi ricordi, un cane gli ringhia contro, minacciando di aggredirlo. Pietro gli parla, gli urla, lo ammansisce e lo fa avvicinare a sé. Quando il cane è ormai nelle sue mani, nell’intento di liberarlo dalla sua condizione di bastardo sofferente gli recide la carotide e lo stesso, come per un’improvvisa e definitiva agnizione, assimilando la sua condizione a quella del cane, si taglia la gola.

Pietro Faiella si diploma all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” di Roma nel 1992 con Studio su Amleto, regia di Orazio Costa. Nel 1993 cura l’ideazione e la messa in scena de Il labirinto di Orfeo prodotto dal CSS di Udine. Nel 1994 recita nella Commedia del poeta d’oro di G. Scabia per la regia A. Marinuzzi. Ecole des Maistres nel 1995 frequentando gli stage di Dario Fo, A. Vassil’ev, A. Arias. Sempre nel 1995 Tra gl’infiniti punti di un segmento di C. Lievi. Nel 1996 inizia la collaborazione artistica con M. Castri recitando in “Trilogia della villeggiatura” di C. Goldoni, Fede speranza e carità di O. Von Horvath, Ifigenia in tauride di Euripide, Quando si è qualcuno di L.Pirandello, Tre sorelle di A. Cechov, Così è se vi pare di L.Pirandello. Collabora di nuovo con Lievi recitando in Sulla strada maestra di Cechov e ne Il nuovo inquilino di Ionesco. Tra gli altri ha recitato in spettacoli di R. Guicciardini, M. Prati, M. Cava, L. Saravo, D. Galasso. Al cinema ha lavorato come attore in Rewind di S. Gobbi, Medicina,i misteri di F. Brocani, Il vestito da sposa di F. Infascelli, Arrivederci amore ciao di M. Soavi. Nel 2005 ha curato la traduzione e la messa in scena della pièce John e Joe di Agota Kristof. Nel 2006 ha adattato due atti unici di Strindberg, Paria, La più forte realizzando il video L’altro è l’incognita. Sempre nel 2006 ha curato la mise en espace di AOI di Takeshi Kawamura al Piccolo Grassi di Milano. Nel 2007 ha realizzato uno studio video adattando Fuorilegge di Lev Lunc. Vuoti spirituali eterosessuali da D.F.Wallace è la performance curata negli spazi Superstudio di Milano per Outis. Nel 2009 ha curato il primo studio di messa in scena di Lunapark di Mario Lunetta.

ore 15:40

La gara

Semi cattivi (Massa Carrara)

ideato e diretto da Franco Rossi

con Francesco Cortopassi, Riccardo Monopoli (Matteo Romoli), Roberto Rolla

musiche di Giulio S. Rossi

La gara è un progetto di rappresentazione teatrale molto simile ad una “performance artistica” che non va, a scapito della parola, la colonna sonora (eseguita dal vivo) aumenta la tensione proprio nei momenti di silenzio.

La drammaturgia è costruita sul dialogo serrato, con una scenografia essenziale. I simboli e il significato della vicenda scaturiscono proprio dal numero esiguo di oggetti in scena, che, circondati dal buio, si caricano di significati: una sbarra da passaggio a livello, un uomo che la sorregge da un’estremità, stanca figura umana; e poi le biciclette, retaggio di un Italia passata, in fuga dalle miserie della guerra, con i suoi idoli: Coppi e Bartali, volti di un paese che stentava a partire, che si entusiasmava per la sfida.

I protagonisti dello spettacolo sono due ragazzi stranieri, due amici legati da una passione comune per la bicicletta. Uno spera di vincere la gara ciclistica del paese per protestare durante la premiazione proprio come fecero i celebri sprinter Smith e Carlos alle olimpiadi di Città del Messico, l’altro deve “conquistarsi” il permesso di soggiorno vincendo la stessa gara per conto della sua azienda.

La storia si svolge durante un’uscita d’allenamento dei due ragazzi, che corrono circondati dalla zona industriale della città dove vivono.

Protagonista è anche la notte, una notte strana, onirica, in cui il sogno si può confondere con la realtà. Una realtà che non dà speranza, un sogno che si trasforma in un incubo.

I ragazzi sono a loro agio in quel territorio desolato, perché abitano da quelle parti, conoscono gli odori, i rumori, i tempi, ma qualcos’altro si aggira in quei luoghi, qualcosa di ben più pericoloso di un corvo, una rana o qualche coppietta a fare l’amore… la noia e l’odio… qualcuno si annoia a morte, qualcuno odia a morte.

La compagnia Semi Cattivi attiva dal 2005, mette in scena testi teatrali prodotti e diretti da Franco Rossi, con la collaborazione e partecipazione di professionisti e artisti, come il cantante Giovanni Lindo Ferretti e attori del Piccolo di Milano.

Un forte elemento caratterizzante i suoi spettacoli è l’uso delle luci e delle musiche (sempre auto prodotte) per creare effetti e ambientazioni estremamente surreali, un linguaggio espressionista per esprimere concetti che spesso disturbano: la difficoltà dell’uomo nel vedere e sopportare la sofferenza, e soprattutto l’incapacità di reagire di fronte ai soprusi e alle prevaricazioni solo perché giustificati da fenomeni istituzionalizzati.

Come luoghi di rappresentazione utilizza ex siti industriali (segherie, depositi, stazioni, capannoni) o luoghi urbani (sottopassaggi, strade periferiche), poiché grazie alla loro sterile architettura che li pone al di fuori delle coordinate spazio-temporali aiutano a spogliare gli spettatori dalla consapevolezza di trovarsi al centro di un evento organizzato (sospensione dell'incredulità), effetto che viene raggiunto anche con un utilizzo destrutturato dello spazio teatrale.

Le modalità di rappresentazione degli spettacoli tendono ad un coinvolgimento del pubblico nello spazio scenico, in modo da condurre il singolo spettatore a non essere più solo un ascoltatore, ma ad avere una maggiore consapevolezza intellettuale e percezione emotiva, sollecitando la capacità critica individuale.

ore 16:20

Finisce per A. Soliloquio tra Alfonsina Strada - unica donna al Giro d'Italia del 1924 - e Gesù.

Lady Godiva Teatro (Ravenna)

un progetto di Eugenio Sideri e Patrizia Bollini

testo di Eugenio Sideri

in scena Patrizia Bollini

voce fuori campo Pierr Nosari

Alfonsina pedala, pedala veloce sulla sua bicicletta. Poco importa se i capelli non sono lunghi e vaporosi ma corti, “alla maschietto”… Poco importa se le gambe non sono lisce e snelle, ma tozze e muscolose… Poco importa se tutti la prendono per “matta”… Poco importa se viene vista come un fenomeno da baraccone… Lei corre, sulla sua bicicletta, e pedala pedala pedala. Facile a dirsi, oggi, di una donna che corre in bicicletta, ma meno facile 84 anni fa, precisamente nel 1924, quando Alfonsina Morini, maritata Strada, si iscrive e partecipa al Giro d’Italia. Prima e unica donna a farlo, in quel tempo. Uno scandalo, per quella “corriditrice” che tutti credevano volesse sfidare gli uomini, “i maschi”. Ma Alfonsina voleva solo volare sulle ruote, correre nel vento, arrampicarsi per le montagne. E “il diavolo in gonnella” lo fece. Per tutta la vita, perché per tutta la vita la sua grande passione per le due ruote continuò. Da morirne, a cavallo, a 68 anni, della sua fiammante Guzzi 500 che quel giorno non voleva proprio partire e Alfonsina, determinata e testarda come sempre, non si dava proprio per vinta, e anche quella volta aveva rifiutato gentilmente l’aiuto e spingeva spingeva sulla pedivella per far ripartire la moto, spingeva così forte che si accasciò, sulla sua rombante due ruote, e lì rimase priva di vita, colpita da un infarto. Quando Patrizia mi ha parlato, per la prima volta di Alfonsina, le ho visto gli occhi luccicare. Io sono un uomo, un “maschio”, e credo che - afferma Sideri - non potrò mai capire fino in fondo cosa possa significare per una donna, specie in quegli anni, affrontare la società, seppur sportiva dei maschi. E così ho provato a salire anche io sulla bicicletta delle parole, e a ripercorrere, insieme ad Alfonsina, il suo Giro d’Italia e le sue successive mirabolanti imprese che ne fecero un’eroina del tempo. E ho provato - continua l’autore - a immaginare questa ragazza che, nella solitudine delle salite o nelle lunghe traversate delle pianure afose, sulle strade sterrate, pedalasse e parlasse… parlasse per non sentire la fatica, per non ascoltare chi la osteggiava, per non smollare mai… ecco, avviasse un dialogo con Gesù. Si tratta di un Gesù nei ricordi del Catechismo, un Gesù che sta nel Cielo e nella Terra, nelle cose che la circondano, nel vento che le sbatte contro, nella pioggia che le serra gli occhi, nel sole che la acceca… un Gesù che, come lei, è stato condannato dalla legge dei maschi. Non si tratta di una preghiera, ma di un vero e proprio soliloquio, parole dette nella mente, raccolte nelle gambe e animate dal respiro, affaticato ma felice, di chi - conclude Sideri - non si è mai voluto arrendere. Patrizia Bollini dà voce e corpo a questa incredibile pioniera dello sport femminile, meno nota della coetanea Ondina Valla, ma altrettanto importante nella storia dell’emancipazione sportiva e sociale delle Donne. Patrizia-Alfonsina si racconta, parlando con Gesù, attraverso una Via Crucis in bicicletta, attraverso le lunghe e faticosissime tappe del Giro d’Italia del 1924, e delle altre imprese, dando voce alle storie, agli aneddoti, dando voce al primo marito - recluso e morto in manicomio - e alla madre, Virginia, massaia analfabeta della Bassa Emilia, madre di altri otto figli.

ore 17:00

Lap-Shame

Vieri Franchini Stappo (Firenze)

scritto e diretto da Vieri Franchini Stappo

con Anita Zagaria

scene Francesca Leoni

costumi Barbara Bessi

luci Gianni Staropoli

L’interprete del monologo è un paradosso, qualcosa cioè oltre l’opinione comune, oltre quei comportamenti, che normalmente ci si aspettano dalle persone. Rosa ha vissuto una vita scevra da comportamenti sessualmente ammiccanti, spinta a farlo dal suo percorso educativo. Percorso educativo particolare, che ha creato un particolare senso di vergogna, un compagno costante per la vita, non ostante i suoi sforzi di nasconderlo, reprimerlo, ignorarlo, senza mai riuscirci.

Un giorno osservando in una ballerina di lap-dance proprio quegli atteggiamenti sessualmente provocanti che considerava volgari e vergognosi, scopre che la persona che ballava sembrava trarne un profondo piacere, una gratificazione dell’ego, dovuta proprio alla semplice animale attrazione sessuale, che il suo muoversi creava negli spettatori.

La ballerina trae un godimento dall’energia del desiderio, dalla brama del sesso che non si può di fatto realizzare, ma solo mentalmente immaginare. Da qui il desiderio di fare la Lap-dance, da qui il riscatto dalla vergogna, da qui la folle disperazione quando le viene detto di non poterla più fare perché troppo vecchia.

Lap-shame è un atto unico inedito finito di scrivere nell’estate del 2009.

La vergogna è così radicata profondamente in ogni essere umano da far pensare che nasca con l’uomo stesso, che stia nella psiche umana al pari dell’amore, la paura, la rabbia, la felicità. Sentimenti presenti nell’uomo, quale animale mammifero, e riconoscibili e identificabili, appunto, anche nei comportamenti degli stessi animali.

Si può dire che Il seme della vergogna viene piantato e ben annaffiato nell’infanzia di un individuo, dopo di che da solo cresce nel giardino della coscienza, un po’ ovunque, qua e là, assolutamente dove gli pare.

Vieri Franchini Stappo nasce a Firenze, e dopo la licenza classica si laurea con lode in Economia e Commercio all’Università Degli Studi di Firenze, durante gli studi svolge parallelamente l’attività di fotografo di moda con pubblicazioni su Vogue Italia, Harpers Bazar, ecc. Contribuiscono alla sua formazione fin da giovanissimo i suoi rapporti con Carmelo Bene, amico di famiglia, di cui segue la costruzione di vari spettacoli, scattando anche foto di scena. Uno stage con Nikita Mikalcov perfeziona la sua formazione. Dopo avere girato vari documentari in Italia di cui alcuni distribuiti negli Stati Uniti, si sposta a Roma dove lavora nell’industria cinematografica, in produzione e come aiuto regista. Realizza poi un cortometraggio e un lungo metraggio, iniziando così la sua attività di regista e sceneggiatore.

ore 17:40

Virdzina

Associazione Culturale Murmuris (Firenze)

una creazione originale Murmuris | teatro

regia Laura Croce

aiuto regia Eva Bellone

interpreti Luisa Bosi, Francesco Migliorini, Jelena Skuletic

musicheLuigi Attademo (chitarra)

luci Sincopato Service

costumi Francesco Migliorini

Virdzina è la storia affascinante e sconcertante di un fenomeno che fino a vent’anni fa era ancora fortemente presente nei villaggi dell’entroterra, in Montenegro, Serbia, Bosnia e in parte anche in Albania. Non nelle grandi città, ma tra le vette aspre e durissime che solo chi ha visto sa cosa voglia dire la solitudine. Una solitudine fatta di vento che soffia tra sassi aridi, erba secca, dove di notte si sentono i lupi e il freddo paralizza. Una terra in cui non è possibile scegliere davvero, non lo è almeno per famiglie numerose non “benedette” da un figlio maschio che come la pioggia che salva viene invocato, come la vita, come il raccolto ricco, come la fortuna. Allora, all’ultima creatura, nata femmina, la terza, la quarta, quella che proprio non ci voleva, si dice no. Non si sopprime, non si abbandona, come accade in altre culture, in altri luoghi. Qui due braccia servono, la legna va spaccata e un uomo, alla morte del padre, deve portare avanti la casa e la famiglia. Si dice no al suo sesso, alla sua identità. La neonata diventa maschio. Basta dirlo, basta volerlo. E pregare san Giorgio che benevolo si farà complice della menzogna, basta fasciare stretti quei seni che non devono crescere, basta non fare domande, basta giurare la propria verginità e rinunciare a ogni vita affettiva e sessuale, basta non badare a quel sangue che una volta al mese va nascosto e ignorato. E poi la natura è prudente e asseconda: la voce cambia, i calli celano le mani gentili, i tratti si induriscono.

Murmuris nasce a Firenze il 24 ottobre 2007 dall’incontro di quattro giovani artisti provenienti da esperienze differenti. Laura Croce, Francesco Migliorini, Jelena Skuletic e Luisa Bosi si riuniscono attorno a un comune progetto scenico e una visione del lavoro attoriale e del pensiero che nutre la loro necessità di fare teatro. Murmuris trova la sua cifra in un universo immaginativo reso concreto dall’attenzione particolare al gesto senza trascurare la parola e nella profonda cura per quei legami sottili che uniscono antico e contemporaneo, nel tentativo di tradurre attraverso il linguaggio scenico complessità immaginativa e concettuale. Dopo il confronto con il mito classico in Studio su Edipo Re partecipando a vari festival nazionali e internazionali (tra cui il Festival di Bar e Kotor in Montenegro) affrontano Sarah Kane e il suo testo più significativo Febbre / Crave, per approdare infine a Samuel Beckett di cui è stata curata la prima nazionale di Compagnia, testo tratto da In nessun modo ancora, edito nel 2008 per Einaudi. «Nella traiettoria che idealmente abbiamo seguito nel lavoro, si legge la cifra stilistica che vogliamo costruire e che stiamo delineando. Un teatro - spiega la compagnia - che parli dell’oggi, ma senza paura di affrontare la parola, la forza grave, il peso necessario che abbiamo cercato e trovato nella tragedia antica, con la sua lingua densa, in cui risuonano le domande di sempre e i fondamenti della vicenda che pertiene all’Uomo in quanto tale. La contemporaneità vibra nel “come”, più che nel “cosa”. La nostra direzione di lavoro è caratterizzata da un’attenzione all’uso del corpo come strumento espressivo primo e purissimo nell’immediatezza del linguaggio che gli è proprio. Approdiamo ora, in continuità, a questo nuovo progetto, Virdzina, che vogliamo ci corrisponda sia nel mantenere e consolidare questi nuclei della nostra ricerca, testuale e fisica, sia nell’addentrarci - conclude la compagnia - verso nuovi orizzonti, anche geografici».

ore 18:20

753

L’epimeteide (Piombino)

di Angelo Airò Farulla ed Elena Fatichenti

spazio, immagine Elena Fatichenti

suono Angelo Airò Farulla

luce Daria Pastina

opere Diego Mazzaferro

azione Angelo Airò Farulla, Lorenzo Mori

La storia della fondazione è innanzitutto una storia di violenza. Uomo e città, all’inizio, non sono che cieca terra. Uomini e città sono entrambi organismi, che nascono e muoiono, accomunati dall’essere luoghi e teatro d’eventi.

Il mito della fondazione di Roma è spogliato del pathos dell’epopea, ed offerto nel cruento, immemore trascinarsi d’una lotta fratricida. Inizio e fine di Roma. Da Romolo (primo re) a Romolo Augustolo (ultimo imperatore bambino). Presagi d’Italia. Memorie di Roma nell’Italia ventura. È sempre questione di solchi, di limiti, di confini, di mura. Il salto di Remo, come la breccia di Porta Pia: tutto è contemporaneamente in svolgimento, da svolgersi e già svolto. Travolto da quella cieca necessità che è dell’Inizio e dell’Origine. Dove Storia e Mito s’accavallano e si confondono, legando nascita e morte in un unico destino.

L’epimeteide è una formazione artistica fondata nel 2004 da Angelo Airò Farulla e Elena Fatichenti, a Firenze, all’interno dell’ex-ospedale psichiatrico di San Salvi. Si occupa di performance, eventi dal vivo, spettacoli site specific. Attualmente partecipa all’esposizione Viva l’Italia, a cura di Fabio Cavallucci, presso la galleria Astuni di Bologna, con Nabucco, marzo 1842, performance vincitrice nel 2008 del Premio Internazionale della Performance. Tra le opere più recenti sono da ricordare Dialogo di Federico Ruysch e delle sue mummie, calco ritmico in pentafonia del madrigale drammatico di G. Petrassi e dalle Operette Morali di G. Leopardi; Don Juan – autoritratto #1, performance attraverso lo specchio, in collaborazione con la danzatrice Camille Mutel, e in coproduzione con Duncan3.0; e N.O.R.M.A. di Vincenzo Bellini, enigma teatrale per anagrammi e lampade Wood, progetto vincitore del premio RAI per la radiofonia Microfono di cristallo. Di grande importanza è la collaborazione con l’artista Diego Mazzaferro, assieme al quale sono state realizzate le performance Syntaxis050208, in occasione dell’esposizione Simulacri di volo orizzontale, presso la boutique Aldo Bruè a Milano, e L’a.b.c. – dittico della chance, opera site specific sul tema di Giano bifronte, allestita tra i giardini e la limonaia di Villa Baruchello a Porto Sant’Elpidio.

domenica 15 novembre

ore 11:50

Mister Jason & Lady Medea (primo incontro)

Bubamara Teatro (Pisa)

drammaturgia e regia Paola Marcone

con Marco Mannucci e Paola Marcone

voci di Marco Mannucci e Dario Marconcini

ambientazione sonora Fabio Bartolomei

costumi Fondazione Cerratelli

allestimento scenico Riccardo Gargiulo

organizzazione Gilda Ciao

Lui non si ricorda più chi è. Ogni tanto arriva lei, a cercare di concludere un dialogo che non ha mai fine. Lo chiama Mr. Jason. Forse lei sa perché. Lui sa solo qual è la sua missione. E sa che deve portarla a termine. Non è la prima, né sarà l’ultima. Ne è responsabile, del corpo suo e di quello dei suoi compagni: loro sono l’incarnazione della violenza giusta. Quella violenza che si cura solo con la violenza. Ma non esiste un esercito che abbia mai ottenuto la vittoria, perché non c’è pace dopo aver ucciso. Con le divise si può forse mascherare la bestia che è in noi. Così, apparentemente mansueta e addomesticata, siamo pronti per la commedia della civiltà.

Lei osserva. Nel suo grembo solo potenziali soldati. «Meglio ucciderli tutti sul nascere, questi generatori di morte. Meglio che non assomiglino ai loro padri. Se vogliono vedere una strage, avranno di che eccitarsi. Così il mondo potrà sperare in una tregua vera». Parola di Lady Medea.

Paola Marcone è drammaturga, regista, attrice e formatrice. Si laurea in Storia del Teatro e si forma come attrice prima nel Teatro di Buti (Pisa) seguendo la lezione del teatro popolare e della tradizione del Maggio, poi nel Centro per la Ricerca e la Sperimentazione Teatrale di Pontedera. Incontra anche Marisa Fabbri, Grotowski, Iben Rassmussen, Rena Mirecka, Kaya M. M. Anderson, Giovanna Marini, Akademia Ruku, Dacia Maraini, Renata Molinari, Dario Marconcini, Giuliano Scabia, Enrique Vargas, François Khan, Michela Lucenti, Roberto Castello, Virginio Liberti. Nel 1997 fonda la compagnia Bubamara con cui realizza spettacoli come attrice e regista. Da un decennio cura produzioni e programmazioni per le giovani generazioni al Teatro “Francesco di Bartolo” di Buti. Dal 2009 ha un incarico all’Università degli Studi di Pisa per Istituzioni di Regia Teatrale. Dal 2006 inaugura la trilogia “Corpo patiens”: ricerca sulla rappresentazione del corpo sofferente e sull’esito meteatrale di alcuni fenomeni della cultura occidentale.

Passio Mariae (2007): riflessione sul corpo sacrificale; debutto nazionale al X Festival di Primavera, Brescia 2008; finalista del Festival Le Voci dell’Anima Rimini 2008.

Histoire de ma mort (2008): il suicidio politico come messinscena della propria morte. Selezionato al Premio Tuttoteatro.com Dante Cappelletti 2008, è vincitore del Bando Giovani Compagnie-Teatri Aperti Firenze 2009.

Mister Jason & Lady Medea 2009: il mito di Medea e Giasone per indagare le trame emozionali di chi esplora i limiti estremi della morte propria e altrui.

ore 12:30

Fuori campo Concerto per voci, corpi e marionette

Gigi Borruso (Palermo)

progetto, testo e regia di Gigi Borruso

con Gigi Borruso, Ludovico Caldarera, Giuseppe La Licata, Serena Rispoli

fantocci di Elisabetta Giacone

consulenza musicale Antonio Guida

Si ringraziano per la collaborazione: Compagnia dell’elica, Teatro delle Beffe, Ass. Voltaire, Mondo Théâtre-Paris, Consuelo Lupo, Camera del Lavoro di Palermo.

Fuori campo è un concerto di voci e di corpi scomparsi da tempo alla vista. Ma anche un gioco sull’oscenità politica cui siamo esposti e sulle sue pratiche intimidatorie.

In scena la voce di quell’umanità, di quelle realtà sociali, oggi totalmente ignorate dai media e dal discorso politico. Solo la voce: residuo irriducibile di una condizione esistenziale. Epifania delle più profonde cicatrici della coscienza, che parla oltre le ideologie dominanti, fuori dalle rassicuranti, mistificanti logiche della comunicazione.

Il progetto prende spunto dalle interviste realizzate da Danilo Dolci in Sicilia negli anni 50 e 60, e da una serie di audio-interviste che l’autore sta compiendo a Palermo, fra sottoproletariato, immigrati e senza dimora.

Il corpo degli interpreti, come la realtà che è chiamato a evocare, è un esemplare anatomico da offrire al pubblico ludibrio. Ma cos’è quello lo stupore che porta con sé?

Questo è il suo teatro. E’ il luogo della sua reclusione, della sua passione. Il luogo dove re-inventare ogni cosa.

Gigi Borruso si forma alla Scuola Teatro di Teatés e sarà protagonista del teatro di Perriera fra gli anni 80 e 90. Si è dedicato anche alla didattica teatrale insegnando presso diverse realtà siciliane.

Dal 1995 al ‘99 collabora con il Teatro Biondo Stabile di Palermo, sotto la direzione di Roberto Guicciardini.

Alla fine del 1998 fonda la Compagnia dell'elica, avviando un proprio percorso di ricerca.

Nel 2005 viene chiamato a fondare la Scuola di Teatro Comunale di Gibellina che dirigerà sino al 2007.

Fra i suoi spettacoli degli ultimi anni: Aeropolis, Babelturm, E’ una stella o un buco?, Luigi che sempre ti penza, segnalato al Premio Tuttoteatro.com Dante Cappelletti (2006) e finalista al Premio Ugo Betti per la drammaturgia (2008), Senza scrusciu.

Collabora con la RAI, come attore, doppiatore, programmista-regista.

ore 13:10

Cernobyl Tour

Domenic De Cia (Udine)

di e con Sara Allevi e Dominic De Cia

liberamente tratto da “Preghiera per Černobyl” di Svetlana Aleksievič

Le lancette di un invisibile orologio segnano sempre la stessa ora.

Una donna in punta di piedi scivola nella polvere di un luogo abbandonato da tempo. Accanto un uomo la osserva, insieme iniziano a raccogliere i cocci rotti di una storia che continuano a rivivere ogni notte.

26 aprile 1986: all’una, ventitre minuti e cinquantotto secondi il reattore numero quattro della centrale nucleare di Černobyl’ esplode.

Vasia, vigile del fuoco della città di Pripjat’, viene chiamato in servizio nel bel mezzo della notte; sua moglie Luisia viene improvvisamente svegliata da un rumore.

Presto Luisia e Vasia diventano due corpi trascinati, umiliati, in balia degli eventi, inghiottiti nel buio di una notte che cambierà le loro vite per sempre.

Pedine del tempo, vittime dell’invisibile “radiazione”.

Quattordici giorni separano i due dall’ultimo addio, tempo in cui non smetteranno mai di amarsi, nonostante il mostro li stia divorando.

ore13:50

Non ti ho mai tradito

Alessandra Crocco (Salerno)

di e con Alessandra Crocco

E’ la storia di un ragazzo che dal 1943 al 1956, tra i 16 e i 29 anni, per caso o per scelta, visse da protagonista alcuni momenti cruciali del ‘900: il fascismo, la lotta partigiana, la guerra, il comunismo.

E’ la storia di un ragazzo che scelse di fare della politica la sua vita.

«Oggi io che ho 28 anni, e che invece come vita ho scelto il teatro, guardo quel ragazzo che era mio nonno.

Parto dalla sua storia per raccontarne tante altre e per ricostruire un’epoca che rischia di essere dimenticata perché quelli che l’hanno vissuta e potevano raccontarcela ci stanno pian piano lasciando.

Attraverso le loro vicissitudini, vorrei esplorare quella regione così ricca e veloce della vita umana che è la gioventù: l’impazienza dell’agire, la voracità del presente e la passione per il futuro.

Si tratta di stabilire un ponte con quei “vecchi ragazzi” per capire se si può diventare adulti senza tradire sogni e passioni».

«Oggi ho l’orgoglio di guardare idealmente negli occhi quel ragazzo che ero allora e di potergli dire: io non ti ho mai tradito». (Pietro Nenni)

ore 16:30

Equinozio d’autunno

Teatro dallarmadio (Cagliari)

testo Fabio Marceddu

regia e musiche originali Antonello Murgia

con Fabio Marceddu e Raffaele Marceddu

scene e costumi Paoletta Dessì

In una stanza di un appartamento di una città d'arte, due "donne" vivono nel degrado assoluto, aspettando invano "qualcosa" che non arriva.

La messincena costruita seguendo la linea drammaturgica, sarà coadiuvata da pochi elementi scenici (simbolici, come la città rappresentata in Dogville di Lars Von Triers).

Il resto sarà incentrato sul rapporto fra i due personaggi, di vaga ispirazione genetiana (Le serve), la cui unica padrona da amare, odiare e uccidere è la "Fine" che incombe.

Lo spettacolo dei silenzi e delle urla, dei giochi seri e dei grandi temi sfiorati, che ti attraversano scivolandoti addosso come la soda caustica.

Non c'è tempo per compiangere o per compiangersi.

L'alba catartica dell'Equinozio, segna una fine e un inizio, in un continuum karmico, da cui è difficile sottrarsi, che assume il tempo di una cadenza, pedante, irreversibile ma sorprendente.

Il sonno, come una carezza materna, ricopre il dolore, e lo rende accettabile.

L’Associazione culturale Teatro dallarmadio nasce ufficiosamente nel novembre 2005 al Teatro Valle di Roma, per le finali del Premio Tuttoteatro.com Dante Cappelletti 2005. Il nome stesso dell’Associazione suggerisce l’infinità di segreti, fantasie, leggende che l’armadio non sa, né può sapere, per sua stessa natura, di contenere. Sono soci fondatori dell’Associazione, l’attore cantante Fabio Marceddu, l’attore musicista Antonello Murgia, la scenografa regista Paoletta Dessì e l’attore Raffaele Marceddu.

In questi quattro anni hanno prodotto i seguenti spettacoli:

Bestie Feroci (Primo premio Festival Internazionale Teatro Pan 2007), il primo di una trilogia, di cui Risvegli (finalista al Premio Tuttoteatro.com Dante Cappelletti 2005) è il secondo e Rivelazioni (Menzione Speciale Premio Ustica per il Teatro 2007) il terzo.

Nel 2008 debuttano con Humo Negro quintet/quartet di e con Alessandra Asuni, Fabio Marceddu, Antonello Murgia e Peppe Papa.

Il percorso artistico del gruppo si snoda su vari livelli: un teatro senza aggettivi, scevro di tutti i cliché-scorciatoia, lontano dalle gerarchie e dalle tirannie, basato sulle discipline dei grandi maestri del passato ma attento alle nuove forme, permeabile alle contaminazioni intese come scambio e reciprocità culturale.

Elemento fondante della poetica del gruppo è la musica, mai intesa come commento o sottofondo ma come forza narrante, perfettamente integrata e correlata alla drammartugia.

«Il nostro teatro è civile, sociale, si occupa di attualità in termini non cronachistici; parte dall'uomo e dai suoi microcosmi senza omologarlo a bandiere partitiche o politiche. Crediamo nell'impegno che parta dai singoli, visti come "moltitudini di individualità" e non come massa o popolo da educare e instradare».

ore 17:10

Acido Solforico

Macrò Maudit Spectacules (Milano)

autrice Patricia Conti - Libero adattamento da Acide sulfurique di Amelie Nothomb, Albin-Michel Editions

regia Alessandro Castellucci

con Nicola Stravalaci, Alessandro Castellucci, Sasà Bruna, Patricia Conti, Mariateresa Lagorio, Andrea Tibaldi, Federica Fabiani, Angelo Bosio, Marco Brambilla, Debora Zuin, Enrica Chiurazzi, Andrea Failla, Valeria Perdonò, Rosella Cinquemani, Renato Bertapelle, Davide Fumagalli, Giulia Bacchetta, Maddalena Arpa, Fabio Paroni, Luca Stetur, Giulio Baraldi, Clara Monesi, Sergio Solenghi

ideazione luci Marcello Zagaria

video Alessandro Castellucci, Francesco Sblendorio

musiche Massimo Bologna

Il testo teatrale, ispirato al romanzo Acide Sulfurique, porta in scena un agghiacciante reality show che riproduce gli orrori dei campi di sterminio.

Il gioco è disputato da due squadre: prigionieri e kapò.

Per i tre Autori televisivi l’unica preoccupazione è mantenere alti gli ascolti.

Maila, la conduttrice, usa il video per dare l’addio al pubblico e alla sua giovinezza.

In scena, anche alcuni telespettatori, con i loro pensieri feroci e voyeuristici.

I prigionieri sono rastrellati per la città, senza alcun criterio specifico.

I kapò, invece, sono selezionati tramite casting, superati solo da chi non mostra reazioni di fronte a violenze estreme.

I prigionieri sono ripresi dalle telecamere 24 ore su 24, con eliminazioni settimanali.

Il loro dolore è telegenico. Lo show è seguitissimo.

Tra gli internati, spicca la figura di Pannonique, matricola CKZ114.

La Kapò Zdena accetta con entusiasmo l’impiego televisivo.

Ora è finalmente qualcuno, è in tv.

Le due donne ingaggiano una lotta mentale, fisica ed emotiva, fino alla soluzione finale.

Un incubo televisivo come satira del sadismo ipocrita del pubblico che deplora l'orrore, ma non ne perde una puntata.

ore17:50

Radio Hamlet

Giuseppe Provinzano (Palermo)

con Giuseppe Provinzano

«Che senso ha continuare a fare teatro in un contesto nazionale in cui pare che la cultura (il teatro poi non ne parliamo) non serva, in cui l’arte non sembra più rinnovare i popoli e rivelarne l’essenza. Che senso ha continuare a fare teatro in quest’impantanata era culturale in cui ogni forma di libera espressione viene “invitata” a tacere se si permette di provare ad aprire gli occhi e a stimolare le menti. Che senso ha continuare a fare teatro in un momento storico in cui gli uomini non riescono, perché confusi, o non vogliono, perché corrotti, vedere le verità e le falsità, i buffoni e i caporali, burattinai e burattini, giochi di potere e messe in scena. Che senso ha continuare a fare teatro in un contesto mondiale che vede ancora, e sempre di più, logiche perverse avere la meglio sul resto. Dal testo "...Gli altri attori si sono licenziati i costumi sono stati venduti i tecnici se non sono pagati… i dialoghi sono andati perduti il ministero li ha tagliati...».